Let's music Play

Eminem, ovvero l'ironia e la denuncia sociale mai capita

2010-08-09T12:46:00.004+02:00

Oppurevolutamente fatta fraintendere.
Voglio mettere questo video e la traduzione di White America per farvi comprendere come, secondo me, Eminem sia uno dei migliori rappers che denunciano la società americana.
ma essendo bianco questo ha dato molto fastidio ai benpensanti americani i quali permettono solo ai negri certe frasi purchè rimangano ben rinchiusi nel loro ghetto.
Questa è la forza di Eminem...lui bianco può parlare liberamente, lo sa e ne approfitta.

[Intro]
America!! Hahaha! Ti amiamo!
Quante persone sono orgogliose di essere cittadini di questa bellissima nostra nazione?
Le stelle e le strisce per i diritti che molti uomini sono morti per difendere
le donne e gli uomini che hanno rotto l'osso del collo per la libertà di parola
che il governo degli Stati Uniti ha giurato di mantenere...
(Yo, voglio che tutti ascoltiate le parole di questa canzone) .. o così ci hanno detto

[Eminem]
Non avrei mai sognato che in un milione di anni avrei visto
così tanta fottutissima gente, che la vede come me
che condivide i miei stessi punti di vista e ha le stesse idee
è come un fottuto corpo militare che marcia dietro di me
così tante vite ho toccate, così tanto odio puntato
verso nessuna particolare direzione, che spara e spara
e direttamente attraverso le onde della tua radio, suona e e risuona
finchè non si memorizza nella tua testa, per giorni e giorni
chi l'avrebbe pensato; in piedi davanti a questo specchio a candeggiarmi i capelli
con un po' di perossido, cercando una t-shirt da indossare,
che mi sarei catapultato nella prima linea del rap in questo modo?
come avrei potuto prevedere che le mie parole avrebbero avuto un impatto così?
devo aver toccato un tasto con qualcuno su nell'ufficio
perchè il Congresso continua a dirmi, che non sto causando nient'altro che problemi
e adesso stanno dicendo che sono nei casini col governo - mi fa molto piacere!
ho spalato ***** per tutta la mia vita, e ora me ne sto disfando

[Rit 2X: Eminem]
America Bianca! Avrei potuto essere uno dei tuoi figli
America Bianca! Il piccolo Eric sembra proprio così
America Bianca! Erica adora la mia roba
Vado a TRL, e guarda quanti abbracci che mi prendo!

[Eminem]
Guarda questi occhi, piccola sono blu, piccola proprio come te
se fossero stati marroni Shady si sarebbe perso, Shady sarebbe sugli scaffali (non avrebbe venduto,ndt)
ma Shady è carino, Shady sapeva che le fossette di Shady avrebbero aiutato
a far svenire le signorine baby (ooh baby!) Guarda le mie vendite
Facciamo i conti: se fossi stato nero, avrei venduto la metà (vedi "What If" di Fredro Starr,ndt)
non devo essere diplomato alla Lincoln High School per saperlo
ma sapevo rappare, quindi fanculo la scuola, sono troppo figo per tornare indietro
dammi il micro, mostrami dove ***** è lo studio
quando ero underground, a nessuno fregava un ***** che fossi bianco
nessuna etichetta mi voleva firmare, ho quasi mollato, del tipo "fanculo!"
finchè ho incontrato Dre, l'unico e solo che si è guardato indietro
e mi ha dato una chance e io ho acceso il turbo sotto il suo ****
l'ho aiutato a tornare in cima, ogni fan nero che ho
era probabilmente suo in cambio di ogni fan bianco che lui ha
come se dannazione, avessimo solo fatto cambio; sedendomi e pensando indietro a questa roba, wow
è come se la mia pelle sta cominciando a funzionare a mio beneficio adesso? E' l'..

Rit.

[Eminem]
Vedi il problema è che, io parlo ai ragazzini dei quartieri bassi
che altrimenti non avrebbero mai saputo che queste parole esistono
le cui mamme probabilmente non avrebbero mai dato due spruzzate di piscia
finchè non avessi creato così tanta fottutissima turbolenza!
Direttamente fuori dal cavo, proprio nei vostri salotti sono venuto
e i ragazzi sono rimasti colpiti, quando hanno saputo che ero prodotto da Dre
è tutto ciò che c'è voluto, e sono stati istantaneamente tirati dentro
e si sono collegati a me anche perchè sembravo come loro
ecco perchè mettono i miei testi sotto questo microscopio
cercando con un pettine a denti fitti, è come questa corda
che aspetta di strangolare, stringendosi attorno alla mia gola
mi guardano mentre scrivo questo, come se non mi piacesse questo (macchè!)
tutto ciò che sento è: testi, testi, continue polemiche, sponsor che lavorano
a tempo record per cercare di fermare i miei concerti prima, certamente
l'Hip-Hop non è mai stato un problema a Harlem,
solo a Boston (città prevalentemente bianca e conservatrice, ndt)
dopo che ha infastidito i padri di quelle figlie che cominciavano a sbocciare
così adesso mi prendo le critiche da questi attivisti quando si sfogano
comportandosi come se io fossi il primo rapper a schiaffeggiare una ******* o dire "******", *****!
Semplicemente guardami come se fossi il tuo amico più intimo
il ragazzo immagine, il fottutissimo portavoce ora dell'

Rit.

[Outro]
Quindi per i genitori d'America
io sono la pistola a canna corta puntata verso la piccola Erica per attaccare il suo carattere
il capobanda di questo circo di questi inutili pagliacci
mandati per guidare la marcia per arrivare ai piedi del Congresso
e pisciare sui pratini inglesi della Casa Bianca
per bruciare la {bandiera} (censurato, ndt) e rimpiazzarla con un adesivo "Parental Advisory"
per sputare alcolici sulle facce di questa democrazia dell'ipocrisia
Fanculo Ms.Cheney! (moglie del vicepresidente USA, che l'ha spesso criticato, ndt)
Fanculo Tipper Gore!
Fanculo con la massima libertà di parola
che questi Stati Divisi dell'Imbarazzo mi permetteranno di avere
Fanculo!

Sto scherzando America, sai che ti amo*

* finale ironico che riprende il finale di un suo pezzo : Kill You.

“Il mio erede? Non saprei (…) mi piace Eminem. Lui scrive bene.”
(Bob Dylan)

Lorenzo

Dave Matthews Band - Don't Drink the Water

2010-03-20T11:09:00.003+01:00

Dave Matthews Band
Provenienza USA-Virginia
Genere Rock alternative-Fusion

Traduzione testo:

Vieni fuori, vieni fuori, inutile nascondersi
Via, via, non vedete?
Non c'è posto qui, che cosa vi aspettavate?
Non c'è spazio per entrambi, solo spazio per me
Così si definirà le braccia verso il basso
Sì chiamerò questa casa

Via, via le è stato bandito
La vostra terra è andato e mi ha dato
E qui si diffonderanno le mie ali
Sì chiamerò questa casa

Cos'è che dici?
Si sente il diritto di rimanere?
Poi soggiorno e io vi seppellire

Cos'è che dici?
spirito di tuo padre vive ancora in questo luogo,
Beh io vi silenzio

Ecco l'intoppo, il vostro cavallo è in partenza,
Non perdete la vostra barca, è ora di lasciare
E strada facendo mi si diffonderà le mie ali
Sì chiamerò questa casa

Non ho tempo per giustificare a te
Buffone sei cieco, spostare parte per me
Tutto ciò che posso dire a voi, il mio nuovo vicino
E si deve spostare su o ti seppellire

Ora, io resto i miei piedi da questo fuoco
Quelle mani, una volta riscaldato qui
Ma io li ho in pensione
Sono in grado di respirare la mia aria proprio
E posso dormire più profondamente
Su queste anime pour
I'll costruire il cielo e la chiamata a casa
'Causa siete tutti morti.

E io vivo con la mia giustizia
E io vivo con il mio bisogno goloso
Oh, io vivo senza pietà
E io vivo con la mia alimentazione frenetica
E io vivo con il mio odio
E io vivo con la mia gelosia
Oh, io vivo con la nozione
Che io non ho bisogno di nessuno, ma mi

Non bere l'acqua
Non bere l'acqua
Sangue in acqua
Non bere l'acqua

Non bere l'acqua
Non bere l'acqua
C'è il sangue in acqua
Non bere l'acqua
Sangue in acqua

Sarete tutti morti

Future Sound of London

2010-02-17T14:27:00.005+01:00

Dopo cinque anni di gavetta nei rave e negli spettacoli multimediali di Manchester, l'hit del 1988 Stakker Humanoid (accreditato agli Humanoid, uno dei primi classici dell'acid house) e l'album Eurotechno (1989), accreditato a Stakker, i musicisti elettronici Garry Cobain e Brian Dougans registrarono nel 1991 come Future Sound Of London il singolo Papua New Guinea (sample dei Dead Can Dance). L'album Accelerator (Jumpin' & Pumpin', 1992) fu un'opera di sperimentazione sul genere da parte di due smaliziati giocolieri del suono elettronico: Expander esprime un'aggressivita` insolita, Papua New Guinea si immerge in atmosfere magiche, mentre Calcium e` un semplice saggio sull'orizzonte sconfinato della miscelazione timbrica. Il disco defiinisce di fatto il nuovo standard del techno di qualita`, ma si trattava ancora di musica da ballo elettronica piuttosto convenzionale.

Il duo conduce una vita parallela nel campo dell'"ambient house" con lo pseudonimo Amorphous Androgynous: Tales Of Ephidrina (Astralwerks, 1993), il loro primo album, annovera, accanto al battito convenzionale di Swab, episodi eleganti e sofisticati come Mountain Goat e Liquid Insects.

L'arte del campionamento di suoni naturali e quella dell'innesto di generi viene spinta agli eccessi sul monumentale singolo Lifeforms

Lo Ska

2010-01-17T19:07:00.004+01:00

Lo Ska nacque intorno agli anni 60 in Giamaica prendendo spunto dalla musica degli USA.
Quello che voglio invece parlarvi e quel fenomeno musicale che noi abbiamo chiamato SKA, nato nella seconda metà degli anni 70 nel regno unito ma che in realtà era la Second Wave Ska, lo ska della seconda generazione.
Vestiti in modo originale, per lo più in bianco e nero a quadretti con richiami agli anni 50 per via dell'abbigliamento dei primi gruppi giamaicani, vogliono richiamare la multirazialità di questi gruppi e di questo new second sound.
Musica molto semplice ma ballabilissima con un ritmo in genere veloce e voce a volte fuori dalle note sfiorando anche il demenziale ( specialmente in Italia)

Importanti esponenti di questo movimento sono i Madness, The English Beat, Selecter. Ma altri cantanti come Elvis Costello hanno attinto da questo genere musicale, almeno in qualche brano.
A differenza del rock lo ska predilige note semplici della chitarra rispetto alle sue svariate distorsioni. La presenza dei fiati, il sax in particolare, caratterizzano il sound di quasi tutti i gruppi.

In Italia, questo genere è stato preso in considerazione poco seriamente. Per la poca informazione e ignoranza, questa musica è stata ritenuta "musichetta". A gruppi come gli Spy Eye, i Downtowners, i Mobsters, gli Strange Fruit è stato dato poco spazio da critica, televisione, radio, riviste specializzate e dalle case discografiche italiane non in grado di promuoverli.
Esistono comunque importanti realtà come Statuto, Casinò Royale, Persiana Jones, Arpioni, Vallanzaska, Matrioska, Shandon (sciolti), Pitura Freska (sciolti), Giuliano Palma & The Bluebeaters, Banda Bassotti, Roy Paci & Aretuska, Harddiskaunt, Bassistinti, Stiliti, Franziska, C.O.Ska.

HOWARD JONES : il folletto del Synth Pop

2010-01-17T00:40:00.000+01:00

Stiamo entrando nella seconda decade del 2000 e ad ogni giro di boa possiamo intravvedere cambiamenti e nuovi orizzonti.

Per quanto riguarda la musica, purtroppo, gli orizzonti da parecchio tempo ci appaiono piuttosto scuri e non ben definiti.

Mi torna alla mente quando i cambiamenti musicali e di conseguenza anche culturali, non erano scanditi dai decenni ma ogni anno portava qualcosa di nuovo ed in taluni casi di radicale.

La seconda metà degli anni 70 ha visto fiorire qualsiasi sperimentazione musicale in quanto la gente avvertiva il bisogno di affrancarsi da quello che avevano rappresentato i grandi mostri sacri del Rock. Si voleva qualcosa (ora che si avevano delle ottime basi) che fosse leggero, ma non per questo "banale e non colto".

La Disco-music (Chic docet) ci ha aperto gli occhi -o meglio le orecchie-su nuove sonorità.

Gli artisti sfornavano musica a tutto spiano; si doveva fare musica in fretta e possibilmente a basso costo! La tecnologia venne in loro aiuto : sintetizzatori, batterie elettroniche e quant'altro.

Per dirla in parole povere : un gran casino! Ci siamo trovati invasi da una quantità di materiale mostruosa e non tutta, anzi poca, di qualità!

Però c'era spazio per tutti......e chi aveva delle basi solide e professionali si è fatto vedere.

La Synth pop o Techno pop è stata una parte della musica primi anni 80 di assoluto spessore. Chiaro è, che in tanti casi, erano delle azioni prettamente commerciali sostenute anche dai video che accompagnavano i brani: delle vere chicche per l'epoca.

Una voce fuori dal coro è stato HOWARD JONES

Il tastierista di Southampton con un background classico e di spessore qualitativo, decide di affacciarsi a questo nuovo sound un pò per scherzo e (malignamente dico io) per fare cassetta.

Affidatosi al produttore Ruper Hine, nel 1983 lancia sul mercato NEW SONG : un successo!

Nei suoi obiettivi c'erano poche copie ed invece si piazza ai vertici delle classifiche!

Riavutosi dallo shock replica con WHAT IS LOVE.....un successo mondiale! Pubblica cosi il primo album dal titolo HUMAN'S LIB risultato : 1° nella hit inglese e 3° in America!

Questo lavoro, se si ascolta attentamente, è una vera perla per l'epoca.

HOWARD JONES mette al servizio della sua professionalità le nuove tecnologie e non viceversa come tanti artisti di quel periodo.

Secondo me pochi esempi quali NICK KERSHAW e i THOMPSON TWINS potevano avvicinarsi ma non hanno avuto continuità. I secondi in special modo ne avevano i numeri ma, all'apice del successo, falliscono complici anche esibizioni dal vivo poco credibili in quanto fatte in play-back sotto gli occhi di tutti, decretando di fatto la loro fine.

....dicevamo di HUMAN'S LIB....oltre a NEW SONG e WHAT IS LOVE mi fa piacere rimarcare la misteriosa HIDE and SIKE, la malinconica DON'T ALWAYS LOOCK AT THE RAIN e la "muscolare" EQUALITY dove JONES ti fa sentire come si suonano le tastiere: fantastica!

Non a caso la Pioneer per una campagna pubblicitaria ha usato questo brano.

Per prendere spunto dal titolo trovo questo primo lavoro di H. JONES davvero umano, adatto a tutti gli stati d'animo che proviamo durante il giorno....andatevelo ad ascoltare perchè merita davvero.

Visto che il momento va sfruttato, nel 1985 pubblica DREAM INTO ACTION...anche stavolta un successo senza ombra di dubbio!! Primi posti nelle classifiche di tutto il mondo.

Il pezzo che fa da traino nell'album è NO ONE IS TO BLAME. Un brano ottimo per musica e liriche che non a caso ha fatto scomodare il grande PHIL COLLINS, che ha voluto accompagnare JONES nella versione in CD : è detto tutto!

Un album con un'impronta piu' Disco dove menziono SPECIALTY : da ascoltare.

I tempi sono cambiati come è cambiato il produttore. Ora è ARIF MARDIN ad occuparsi del Folletto inglese.

Terzo album : ONE TO ONE.....ed è dinuovo successo!

Troviamo musicisti di livello quali NILE ROGERS alla chitarra e STEVE FERRONE alla batteria.

Un disco di classe che si affida a ALL I WANT come pezzo di punta, ma che a mio modesto parere si stacca in negativo da HUMAN'S LIB.

Per me termina qui la pagina importante di HOWARD JONES complice anche il mutato scenario musicale di fine anni '80.

Si torna a fare più musica lasciando il genere Techno ad uso esclusivo della discoteca.

Così anche H. JONES torna alle origini nel 1996, dopo una tournee in America, accompagnato solo dal piano a coda, pubblica SOLO PIANO dove il successo (non più di proporzioni planetarie) conforta le sue capacità di musicista.

E' di pochi giorni fa l'uscita del suo nuovo lavoro "ORDINARY HEROES" dove troviamo un artista e soprattutto un uomo maturo pronto a mettersi nuovamente in discussione.

Nutro sempre delle perplessità , o forse pregiudizi, su certi rientri, ma in questo caso non vedo un atteggiamento anacronistico e fuori luogo, anzi reputo che H. JONES sia cresciuto come tutti noi che non possiamo e dobbiamo rimanere ancorati a momenti senz'altro felici ma che fanno parte del passato. Ad ogni modo quando vogliamo rivivere "alcune emozioni" andiamo a rispolverare quanto di meglio ci ha offerto un certo periodo..........per quel che mi riguarda quando ho bisogno di caricarmi ascolto EQUALITY di HOWARD JONES....!!!!!!!!

Ago.

No Razzismo

2010-01-15T23:40:00.001+01:00

DIVERSO...PERCHE'? STRANIERO...DOVE? ALTRO...QUANDO? Siamo tutti parte del medesimo respiro. Smettiamo di accettare, per ignavia, l'esclusione e l'invenzione di nuove differenze. Non respingere, Accogli!
No LEGA NORD DAY Milano 6 marzo 2010 ore 14.oo NO RAZZISMO! NO OMOFOBIA! NO XENOFOBIA!

R.E.M.

2009-12-22T19:45:00.003+01:00

I REM sono un gruppo musicale proveniente da Athens ( Georgia).
Nel 1982 iniziarono i primi concerti negli oratori e in locali di dubbio gusto, ma di cui mai si vergognarono di aver suonato.
REM, che significa Rapid Eyes Movement, a significare i movimenti degli occhi mentre si sogna. Ed un sogno è la loro musica, fatta di un mix fra rock e New Wave, molto particolare sia nelle sonorità che nella voce di Michel Stipe.

Athens - sessantamila abitanti di cui ventimila studenti - già patria degli eccentrici B-52'S. Una terra impregnata della letteratura sudista di William Faulkner e di una ricca tradizione di fiabe noir. "La Georgia sembra un deserto culturale: la attraversi in auto e vedi solo una fila di McDonald's e centri commerciali. Ma se guardi due isolati piu' indietro, troverai la vera natura delle cose".

Dal sostegno al Tibet oppresso alla lotta contro l'Aids, dalle battaglie ecologiste alle campagne per i democratici, intanto, gli Rem non perdono occasione per fare politica. "Negli Usa siamo etichettati come un gruppo radicale - raccontano -. In realtà saremmo moderati, ma nell'era di Reagan e di Bush non restava che essere radicali". In piena guerra del Golfo, esplode l'album del trionfo mondiale, Out Of Time (1991), oltre 15 milioni di copie vendute, numero 1 nelle classifiche Usa e un'introduzione apocalittica: "Il mondo sta collassando intorno alle mie orecchie". Un verso che suona come una condanna. "

Serravalle Outlet in Jazz 2009

2009-12-14T19:29:00.004+01:00

Fine luglio.....si fa testa o croce per chi deve andare al "Serravalle Festival in Jazz"..... vince Loren e poi io vivo nei paraggi quindi.....
Torno a casa accompagnato da un po' di incertezza (non sono un grande conoscitore di jazz).... squilla il telefono: la mia compagna ha il programma del Festival. Ad aprire le danze il 5 agosto ci sono i mitici MANHATTAN TRANSFER per la loro prima apparizione assoluta in Italia!!! La colonna sonora del nostro amore...dobbiamo andare.

Non ancora del tutto convinto, perchè temo che gli anni abbiano segnato la band newyorkese, vengo subito smentito al primo attacco! TIM HAUSER da dietro le quinte dirige alla grande i compagni supportati, per altro, da musicisti di primordine per un grande spettacolo: da SO YOU SAY passando per THE JUNGLE PIONEER a SINA eseguita come bis che mi fa impazzire, batticuore!!! Parlando con Gino Fortunato (l'organizzatore) dico se il buon giorno si vede dal mattino chissà cosa devo aspettarmi... "vedrai" mi dice.

Seconda serata: è il turno di TULLIO DE PISCOPO.

Il genio del batterista napoletano non si discute , però due ore di sole percussioni (nonostante un ottimo CLAUDIO CAPURRO al sax) risultano un pò pesanti ed anche i dialoghi con il pubblico hanno un carattere forse troppo popolare. TULLIO si riscatta alla grande quando esegue AKEBONO suonando l'Hang Drum, uno strumento fattosi costruire in Thaylandia, con una sonorità onirica quasi new age per questo pezzo dedicato alla madre: bello.
Gran finale con il pezzo che lo ha fatto triofare al Drum Festival di Parigi, un rifacimento davvero pirotecnico del CARMINA BURANA di C. Off.

Nelle serate successive RAY MANTILLA, DADO MORONI e JERRY BERGONZI mi fanno capire che il jazz, specie dal vivo, è proprio grande musica. Che si trattasse di vera musica ne parlavo con MAURIZIO ROLLI, complimentandomi, al termine del suo concerto con OTMANO RUIZ, in attesa della guest star della serata: MARIO BIONDI.

Il nostro italianissimo cantante, essendo un nome di richiamo, ha fatto il sold out! Circa 6000 persone hanno assiepato la piazza principale del centro commerciale.
BIONDI fa della voce un vero e proprio strumento.

Martedì 11 agosto sono rimasto stregato da BILLY COBHAN!!

Il batterita sessantacinquenne panamense è stato accompagnato da musicisti di elevato tasso tecnico, tra cui il bassista che definire incredibile è riduttivo e un percussionista che ha fatto vivere nel vero senso della parola ogni tipo di oggetto e ci ha tenuti "incatenati" due ore per una performance adrenalinica. Stratosferico!

Il maestro FRANCO CERRI ci ha fatto inchinare davanti alla sua musica di grande spessore culturale.

La musica da film è stata protagonista il giorno 13 con EUMIR DEODATO. Il compositore brasiliano, per chi non lo sapesse, è stato autore della colonna sonora del film "2001 odissea nello spazio" di Stanley Kubrick capostipite incontrastato della moderna fantascienza.

14 agosto un nome che dice tutto: STANLEY JORDAN.

L'eclettico ed eccentrico chitarrista americano, dopo circa un decennio di vita quasi ascetica, si è presentato al top della forma per un' esibizione di tutto rispetto. Impressionante e personalissimo il modo di percuotere le corde dello strumento per un suono inconfondibile e particolare. Chapeau!

Sabato 15 è il turno di RAY GELATO...... l'americanissimo (nonostante il nome) saxofonista e cantante che vive a Londra ci ha condotto nell'atmosfera gangster e pre guerra mondiale in modo coinvolgente per uno show davvero positivo!

Il festival si chiude domenica 16 con l'esibizione dei QUINTORIGO che ripercorrono la vita e la musica di C. Mingus. Per palati troppo fini.

Basta vedere il nome degli artisti che si sono alternati sul palco per capire che è stata una manifestazione di qualità! Grazie agli organizzatori per averci regalato (l'ingresso era gratuito) due settimane di grande musica.

L'unica incognita è per il futuro. Si potrà fare meglio? G. Fortunato dice di si..... un nome una garanzia.

.... e un grazie a Loren per aver vinto a testa o croce.....

Massive Attack

2009-11-19T13:50:00.008+01:00

I Massive Attack non sono un gruppo musicale vero e proprio, ma un gruppo di tre artisti a cui se ne aggiungono puntualmente altri creando così delle vere e proprie jam session.
Identificabili nel trip-hop, ma hanno sempre rigettato qualsiasi etichetta, appartengono a quello che viene chiamato Bristol-sound, dove questa città è una delle più fiorenti come inventiva musicale ( Portishead, ecc...) una fusione fra rap, jazz, elettrocia, soul e dub.
E' uno dei miei gruppi preferiti, conosciuti già dal loro primo album Blue Lines, anche se quasi tutto dance, ma con inserimenti interessanti di ritmi elettronici fuori dagli schemi comuni.

Una dele collaboratrici più interessanti la si vede nell'album Mezzanine, Elisabeth Fraser già dei Cocteau Twins, dove la sua voce risalta molto bene nelle loro atmosfere elettrodark, teardrop il pezzo più conosciuto.

Dall'angoscia espressionista di "Risingdon" alla depressione esistenziale di "Angel", dall'umore gotico di "Man Next Door" alla ballata soffusa di "Black Milk" (altro pezzo di bravura della Fraser al canto), le canzoni di Mezzanine spaziano tra generi diversi, inseguendo i gusti dei tre componenti del gruppo. Restano i timbri ipnotici stile "Karmacoma" (uno dei loro primi e più celebri hit) e i bassi "dub", ma, rispetto al passato, c'è un particolare accento sulla chitarra e un'evoluzione verso sonorità più complesse e oscure.

Linkin' Park - Oltre il nichilismo

2009-11-07T18:52:00.011+01:00

Quando il nichilismo non è urlato fine a se stesso perchè di moda ma per affermare una volontà di cambiamento, per amore di se stessi, per amore dell'amore stesso.
I Linking Park, il cui nome deriva dai vari Lincoln Parks che ogni città Usa possiede, nascono verso la fine degli anni 90.

Già a pelle mi piacquero subito, l'intensita e la potenza della voce del cantante Chester Bennington mi fece mettere alla ricerca dei loro testi che trovai interessanti e con molta sostanza, non le solite parole urlate al vento apparentemente impegnate.
Denuncia della società USA, della guerra in Iraq, delle violenze della polizia sono i temi comuni di questo gruppo californiano.

Un fantastico mix di Rap, Metal, New Metal, Rock fanno di questo gruppo di ragazzi californiani uno dei miei gruppi attualmente preferiti.

New Divide
Mi ricordo di cieli neri
di fulmini tutto attorno a me
mi ricordavo ogni baleno di luce
appena quando il tempo cominciò a bruciare
come un segno sconvolgente
il destino mi aveva trovato alla fine
e la tua voce è tutto ciò che ho sentito
e diceva che ottengo solo ciò che merito

Allora dammi una ragione
per dimostrare che ho torto
per lavare questa memoria pulita
lascia che i pensieri attraversino
la distanza nei tuoi occhi
dammi una ragione
per riempire questo vuoto
con cose senza vita in mezzo
fatti bastare
il voler trovare verità e bugie
attraverso questa nuova divisione

Non cera niente allinterno
i ricordi erano stati abbandonati
non cera un posto dove nasconderli
le ceneri sembravano neve
e la terra si è arresa
nel punto dove ce ne stavamo
e la tua voce è tutto ciò che ho sentito
e diceva che ottengo solo ciò che merito

Allora dammi una ragione
per dimostrare che ho torto
per lavare questa memoria pulita
lascia che i pensieri attraversino
la distanza nei tuoi occhi
attraverso questa nuova divisione

Ed ogni perdita
ed ogni luce
in ogni verità che neghi

ed ogni rammarico
ed ogni addio
era un errore, un modo per nascondersi
e la tua voce è tutto ciò che ho sentito
e diceva che ottengo solo ciò che merito

Allora dammi una ragione
per dimostrare che ho torto
per lavare questa memoria pulita
lascia che i pensieri attraversino
la distanza nei tuoi occhi
dammi una ragione per colmare questa speranza
con cose senza vita
con cose senza vita in mezzo
fatti bastare
il voler trovare verità e bugie
attraverso questa nuova divisione
attraverso questa nuova divisione
attraverso questa nuova divisione

The Velvet Underground ( and Nico)

2009-11-06T20:38:00.003+01:00

Forse se nel lontano 1967 il genio cantautoriale dell’enigmatico Lou Reed e lo stile del musicista John Cale, unito alla voce sensuale di Nico, modella d’origine tedesca, non avessero dato alla luce l’album “The Velvet Underground & Nico”, la scena musicale dei nostri giorni sarebbe profondamente diversa: mancherebbe un certo linguaggio, un certo approccio alla musica e il carattere totalmente rivoluzionario che la band di New York iniettò tra le linee del pentagramma. Questo perché i Velvet Underground, soprattutto e forse solo con due album della loro discografia, sono stati una delle band più influenti nella storia della musica rock.

Quarantadue anni fa, infatti, il gruppo newyorchese registra l’album d’esordio, nel marzo del 1967. Andy Warhol ci mette lo zampino, a partire dalla storica copertina raffigurante una banana da sbucciare e dalla quasi imposizione della voce femminile Nico. Ma, nonostante l’intrigante confezione, il disco vende pochissimo, quasi nulla. In pochissimi si accorgono della portata epica dell’album, ma quei fortunati che hanno modo di venirne in possesso, come ricorda anche un famoso aneddoto di Brian Eno, finiscono tutti col fondare una band musicale, illuminati in maniera essenziale da quei suoni così innovativi e autorevoli per l’epoca.

Semplicemente un grande mito - Neil Young

2009-10-27T15:44:00.005+01:00

E' sempre stato un mio convincimento: Neil Young ha sempre avuto tantissimo da dire, ed ha parlato, finora, a tre generazioni.
Ha parlato dei loro/nostri problemi esistenziali ma soprattutto politici.
Dalle rivolte degli studenti in Ohio, memorabile l'intervento al South by South West Festifal dove ha dato una vera e propria lezione di politica ai giovani presenti, fino alle ballate Hippy per arrivare all'ultimo album aggiornabile in continuazione via internet.

Pioniere della musica californiana ( lui canadese) ha fatto soprattuo pensare, oltre che sognare, la '68 generation di tutto il mondo.
Mai nessun attimo di cedimento nonostante la sua vita privata sia travagliata dall'avere un figlio handicappato e lui sofferente di epiilessia.

Un mito vivente, un icona del rock, un esempio per tutti noi.
Chi non ha immaginato essere ad una manifestazione, oppure sentirsi la carica di dire e urlare al mondo la nostra rabbia quando ascoltavamo le sue canzoni.

Forse è uno dei pochi cantautori, forse l'unico, a comporre canzoni per il film della nostra vita.

Ohio:

Nixon sta arrivando con i (suoi) soldatini di piombo
e noi finalmente siamo (uniti) da questa parte.
In questa estate sento il rullo dei tamburi,
quattro morti nell'Ohio.

Dobbiamo rendercene conto,
i soldati ci stanno prendendo a fucilate,
"dovevano farlo già molto tempo fa"

Cosa diresti se tu la conoscessi
e la trovassi morta per terra,
come puoi scappare quando lo sai?

Dobbiamo rendercene conto,
i soldati ci stanno prendendo a fucilate,
"dovevano farlo già molto tempo fa"

Cosa diresti se tu la conoscessi
e la trovassi morta per terra,
come puoi scappare quando lo sai?
Nixon sta arrivando con i (suoi) soldatini di piombo
e noi finalmente siamo (uniti) da questa parte.
In questa estate sento il rullo dei tamburi,
quattro morti nell'Ohio.

Lorenzo

Dedicato a J.Black - BMS

2009-10-23T20:41:00.005+02:00

A Richard Wright......e a me stesso....Summer '68

2009-10-23T07:40:00.001+02:00

« Nessuno può sostituire Richard Wright. È stato il mio partner musicale e amico. Nelle discussioni su chi o cosa fossero i Pink Floyd, il contributo enorme di Rick è stato spesso trascurato. Era gentile, modesto e riservato ma la sua voce profonda e il suo modo di suonare erano vitali, magiche componenti del nostro riconoscibile sound. Non ho mai suonato con nessuno come lui. L'armonia delle nostre voci e la nostra telepatia musicale sono sbocciate nel 1971 in Echoes. A mio giudizio tutti i più grandi momenti dei Pink Floyd sono quelli in cui lui è a pieno regime. Dopo tutto, senza Us and Them e The Great Gig in the Sky, entrambe composte da lui, cosa sarebbe stato The Dark Side of the Moon? Senza il suo tocco pacato l'album Wish You Were Here non avrebbe funzionato molto. Nei nostri anni di mezzo, per vari motivi lui ha perso la sua strada per qualche tempo, ma nei primi anni Novanta, con The Division Bell, la sua vitalità, brillantezza e humor sono ritornati e la reazione del pubblico alle sue apparizioni nel mio tour del 2006 è stata tremendamente incoraggiante, ed è un segno della sua modestia che quelle standing ovation siano giunte a lui come una grande sorpresa (sebbene non al resto di noi). Come Rick, non trovo facile esprimere i miei sentimenti con le parole, ma lo amavo e mi mancherà enormemente. »

David Gilmour

Echoes - Pink Floyd

2009-10-23T07:37:00.002+02:00

In alto l'albatro sta immobile sospeso nell'aria,
e giù nel profondo dei flutti
in labirinti di caverne coralline
l'eco di un tempo remoto giunge
tremante attraverso le sabbie,
ed ogni cosa è verde sotto il sole;

e nessuno ci mostra alla terra,
e nessuno sa i dove o i perché
ma qualcosa è all'erta, qualcosa si muove
e comincia a salire verso terra

Stranieri passano in strada
per caso due sguardi diversi si incontrano,
ed io sono te, e ciò che vedo sono io,
e ti prenderò per mano per guidarti nel paese,
ed aiutami a capire meglio che posso

e nessuno ci chiama a vedere l'alba,
e nessuno ci fa abbassare gli occhi,
e nessuno parla, nessuno cerca,
nessuno vola intorno al sole

Serena, ogni giorno ti mostri
ai miei occhi che si destano,
m'inviti, guardandomi, ad alzarmi,
e dal muro, attraverso la finestra
arrivano ondeggiando su ali di raggi di sole
un milione di ambasciatori splendenti del mattino

e nessuno mi canta ninne nanne
e nessuno mi fa chiudere gli occhi
così spalanco le finestre
e nuoto fino a te, attraverso il cielo

Dedicato a Richard Wright ad un anno dalla scomparsa

2009-10-22T17:02:00.003+02:00

RIP Rick Wright (1943 - 2008) - MyVideo

Ryuichi Sakamoto

2009-10-19T18:03:00.005+02:00

Ryuichi Sakamoto si muove nell’alveo dell’elettronica giapponese. Da un lato l’immersione nei suoni poco comuni e in una musica che vuole comunicare il continuo flusso di dati in cui siamo immersi ad opera di quella che è una figura di spicco dell’elettronica giapponese e mondiale e dall’altra, invece, le emozioni e le tinte calde dei suoni di uno degli artisti più richiesti dell’elettronica.

Sakamoto collabora alle produzioni di numerosi artisti britannici e non, specialmente con David Sylvian, intervenendo nella produzione di quasi tutti i suoi album. Tra le altre collaborazioni si annoverano quelle con Iggy Pop, Caetano Veloso, Thomas Dolby, Youssou N'Dour.
Il compositore elettronico Ryuichi Sakamoto è nato il 17 gennaio 1952 a Tokio. Dopo aver studiato musica elettronica, Sakamoto è diventato famoso come frontman del trio art pop Yellow Magic Orchestra, una band che è stata spesso paragonata ai tedeschi Kraftwerk.
Dopo che i YMO si sciolsero nel 1982, Sakamoto ha intrapreso la carriera solista.Ha anche scritto le colonne sonora per numerosi film, tra cui “Merry Christmas, Mr. Lawrence” ( Furyo), e la colonna sonora dell'Ultimo Imperatore, vincendo l'oscar per la musica.

Scrive poi le musiche di "Un tè nel deserto", "Tacchi a spillo", "Il piccolo Buddha", "Omicidio in diretta", "Femme fatale".Parallelamente alla sua carriera di compositore, Sakamoto ha intrapreso anche quella di attore, apparendo in "Furyo", "L'ultimo imperatore" e nel video di Madonna "Rain".

Pearl Jam - Jeremy

2009-10-10T11:00:00.001+02:00

Rem - The Great Beyond

2009-10-10T10:48:00.001+02:00

The Smashing Pumpkins - Stand Inside Your Love

2009-10-08T00:04:00.003+02:00

Traduzione testo:
Tu ed io
Destinati ad essere
Immutabili
Impossibili
È destino
Pura demenza
Imprevedibile
Insopportabile
Ma per l'ultima volta
Tu sei tutto quello che voglio e che ho chiesto
Sei tutto quello che ho sempre sognato
Chi non vorrebbe essere la persona che ami
Chi non vorrebbe stare nel tuo amore
Protetto e l'amante di
Un'anima pura e della tua bellissima persona
Non fare supposizioni
Non sentirmi ora
Respirerò
Per entrambi
Viaggia per il mondo
Attraversa i cieli
La tua casa è qui
Nel mio cuore
E per la prima volta
Mi sento come se fossi rinato
Nella mia mente
Rigenerato come un bimbo e un saggio mistico
Chi non vorrebbe essere la persona che ami
Chi non vorrebbe stare nel tuo amore
E per la prima volta
Ti sto dicendo quanto né ho bisogno e sanguino per
Ogni tua mossa e suono del risveglio
Nel mio tempo
Avvolgerò i miei fili attorno al tuo cuore e alla tua mente
Tu sei mia per sempre ora
Chi non vorrebbe essere la persona che ami e per cui vivi
Chi non vorrebbe stare nel tuo amore e morire per questo
Chi non vorrebbe essere la persona che ami

( Il mistero dell'amore è grande tanto quanto il mistero della morte. O.Wilde)

Riflessione su David Sylvian

2009-10-07T12:20:00.006+02:00

Uno dei punti di forza di David Sylvian è che si è sempre spinto molto più avanti nella ricerca musicale.
Collaborando con artisti d'avanguardia di livello mondiale come Robert Fripp,R.Sakamoto, Brian Eno e altri è sempre stato un passo più avanti di tutti.
Definito come un " minimalista" la sua ricerca stilistica sia della musica che dei testi lo a portato ad essere studiato in qualche unversità USA come un artista che non ha tempo.

Nei suoi concerti dal vivo non impiega tantissimi effetti visivi.
La sua opera si visualizza attraverso le orecchie, l'ascolto delle sue sonorità, sempre nuove e coinvolgenti. Insomma quella musica che ti fa si sognare ma anche pensare.
Io l'ho sempre definito come uno dei musicisti più intelligenti del panorama musicale, raffinato e elegante, mai fuori misura.

Si è aperto tutte le porte della sperimentazione, senza paura, pur sapendo che avrebbe potuto perdere per strada il suo pubblico che fin dai tempi dei Japan lo ha sempre apprrezzato e soprattutto capito.

Lorenzo

The Cure

2009-09-24T23:19:00.003+02:00

Dopo trent'anni di carriera è difficile dire cosa spinga ancora Robert Smith a scrivere canzoni e soprattutto a calcare ossessivamente i palchi dei concerti live, quasi che i Cure contendano agli U2 il titolo di "Rolling Stones della new wave". Certo, mentre la tradizione delle malinconie inglesi continuava oltre di lui (trionfando coi Radiohead), il cantante dei Cure è riuscito a crearsi un mondo a parte tanto inquietante quanto consolatorio, a cui un certo tipo di pubblico sembra continuare a far ritorno per ristoro e conforto.
Per capire le ragioni del mito bisogna però necessariamente rivolgersi all'indietro, a come Smith e compagni apparivano nel video-concerto "The Cure In Orange" del 1986, registrato in Provenza, nel Theatre Antique d'Orange: degli estrosi visionari, persi al labile confine tra i sogni e gli incubi, tra la solitudine e l'amore, tra il peccato e l'innocenza.
Svanito il clima festaiolo degli anni Novanta, poco propizio alle inquietudini per i britannici, il fosco clima del Duemila sembra favorire un ritorno alle introspezioni nervose della vecchia onda. E' il plauso delle nuove generazioni di musicisti, nonché il generale clima di revival della new wave, a stimolare dunque il ritorno del 2004, che vede i Cure in tour con Mogwai, Interpol, The Rapture.
Sull'album The Cure colpiscono l'energia fisica delle esecuzioni e la ritrovata verve vocale, più delle singole canzoni, che sferrano frastornanti bordate rock in casi come "Lost", "Labyrinth", "The Promise", per poi far rimpiangere i vecchi sdilinquimenti acustici nei due minuti di "Going Nowhere". "Lost" è un crescendo isterico che cita un vecchio brano improvvisato, "Forever", con cui i Cure solevano chiudere i concerti negli anni Ottanta, cambiandolo ogni sera.
A stupire sono le sonorità, di una asprezza degna dei Nine Inch Nails. "Labyrinth" rispolvera le vecchie ritmiche tambureggianti e costruisce il suo incessante crescendo su un riff orientale, con la voce di Smith dapprima effettata e poi liberata nella sua furia sopra gli strumenti. "The Promise" riesce nel tentativo prima fallito di costruire un brano lungo (dieci minuti) e fluido, appoggiandosi però alla citazione della vecchia "The Kiss", nella sua tempesta wah-wah. L'arrangiamento elettronico di "Anniversary" è forse la cosa più interessante, in quanto estranea ai furori di Ross Robinson, e perché indica una strada che Smith avrebbe potuto seguire in modo convincente, a patto di scegliere i collaboratori giusti.
In generale, l'album sembra oscillare tra la capacità di riproporre le vecchie idee in un contesto più attuale e il rischio di scadere in un patetico mescolarsi alle giovani generazioni di emo-kid.

Roger Dean

2009-09-18T16:04:00.005+02:00

I suoi primi lavori nel settore delle copertine discografiche furono per un gruppo chiamato Gun e per gli africani Osibisa. Soprattutto questa seconda opera contribuì ad attirare molta attenzione. In quello stesso anno Dean diede inizio al suo rapporto di collaborazione più importante, quello con gli Yes, realizzando la copertina dell'album Fragile. Dean creò anche il cosiddetto "logo classico" degli Yes, che apparve sul successivo Close to the Edge. Da allora, Dean ha curato quasi tutte le copertine degli Yes, nonché la coreografia di moltissimi loro concerti e le copertine degli album solisti dei membri degli Yes o di altre formazioni della grande "famiglia Yes" (per esempio i Badger e gli Asia). Inoltre, Dean ha realizzato copertine anche per molti altri celebri gruppi, soprattutto della scena del progressive, quali Uriah Heep e Gentle Giant.

La maggior parte delle opere di Dean rappresentano paesaggi fantastici con un'atmosfera fra il fantasy e la new age. Le sue immagini sono caratterizzate da una grande armonia, senso di equilibrio e di pace, e proprio in questo senso sono il perfetto complemento delle atmosfere celesti e positive della musica degli Yes (come ebbe a osservare Steve Howe, there is a pretty tight bond between our sound and Roger's art).

Lorenzo

Popol Vuh

2009-09-18T15:46:00.003+02:00

Mentre in Germania impazzava la "kosmische musik", i Popol Vuh sceglievano di allontanarsi dalle sinfonie elettroniche dei loro connazionali per abbracciare un rock religioso dal fascino esotico e dalle sonorità oniriche. Anticipavano cosi' di un paio di decenni la stagione della new age.

Tangerine Dream

2009-09-18T15:33:00.003+02:00

Con le loro opere, mistiche e visionarie, hanno contribuito a fondare la "musica cosmica" e rivoluzionato per sempre l'elettronica. Aprendo la strada al synth-pop degli anni 80 e anticipando di due decenni la stagione della new age.

I Tangerine Dream sono i massimi rappresentanti della kosmische musik, quella straordinaria "new wave" elettronica esplosa in Germania all'alba degli anni Settanta. Una scena composta da musicisti veri, spesso con un background classico alle spalle, che riuscirono a dare un nuovo senso all'uso di tastiere e sintetizzatori nel campo della musica, spostando il baricentro del rock psichedelico dal centro della mente alla periferia dell'universo.

La definizione ufficiale di "musica cosmica" viene però coniata con l' album Alpha Centauri (1971). E' una sequenza di suite spesso frutto di improvvisazioni, nello stile del rock psichedelico, ma anche del jazz-rock e della musica d'avanguardia. Si fa più massiccio l'utilizzo di synth analogici, come l'Ems, e le spigolosità degli esordi tendono a convergere verso un flusso sonoro più avvolgente e trasognato, ideale soundtrack per esplorazioni spaziali.
La tracklist consta di tre soli brani, per 40 minuti di "interstellar overdrive" attraverso le tessiture dell'hammond distorto, gli echi dei sintetizzatori e i fraseggi dolenti del Les Paul di Froese. Un flauto quasi "pastorale" e una sezione percussiva sempre più caotica completano il quadro. L'esito è quantomai suggestivo, a cominciare dal lungo viaggio solare di "Sunrise In The Third System", dove organo e tastiere compngono un affresco di sacrale intensità, per proseguire con i tredici minuti abbondanti di "Fly And Collision Of Comas Sola", persa nel vuoto cosmico, con l'organo impazzito a cercare di delineare una rotta nel magma di rumori ed effetti, e con il flauto a inseguire un'oasi di pace nell'infuriare del drumming. La conclusiva title track è quasi il manifesto definitivo di questa elettronica astrale, stavolta quasi del tutto priva di ritmo, con oscillazioni di synth, riverberi e sparute frasi di flauto a lasciare una scia luminosa nel grande buio del Cosmo.

In seguito, Schroyder lascia la band in favore di Hans Peter Baumann e i Tangerine Dream lasciano in soffitta gli strumenti del rock tradizionale per concentrarsi solo sui sintetizzatori elettronici.

I Led Zeppelin

2009-09-14T18:25:00.003+02:00

I Led Zeppelin probabilmente passeranno alla storia per un singolare primato, difficilmente eguagliabile: contribuire in modo massiccio all'evoluzione della musica rock non inventandosi quasi nulla, ma, anzi, attingendo a piene mani dal repertorio blues e rock-blues degli anni 50 e 60 prima, e dal folk e dalla musica orientale poi. Eppure, il loro è un sound completamente fresco e quasi "rivoluzionario", che lascerà segni indelebili nel futuro del rock'n'roll. Ed è proprio questa la grandezza degli Zeppelin, che sono stati capaci di giungere laddove altri gruppi britannici prima di loro avevano solo tentato di arrivare (come gli Yardbirds - in cui militò Page stesso).

Ma non c'è solo l'immortalità delle canzoni dietro il mito dei Led Zeppelin. Page e soci, infatti, possono vantare una serie di piccole rivoluzioni che hanno cambiato la storia della musica. Furono i primi a raggiungere un successo di massa senza dipendere dalla programmazione radiofonica. Fino ad allora, radio e televisione erano state dominate dalle hit parade, e quindi dal 45 giri. I Led Zeppelin sfondarono senza mai entrare in quelle classifiche. Nemmeno il loro più grande hit, "Stairway To Heaven", divenne mai un singolo. E anche la laconicità con cui intitolarono i primi album (alcuni privi persino del loro nome in copertina) segnò una rottura con la tradizione, che voleva i titoli dei dischi funzionali al marketing della band.

Più ancora degli hit, ad attrarre moltitudini di fan furono le loro esibizioni dal vivo. Esibizioni che, sull'onda emotiva di Woodstock, riportavano il rock alla sua dimensione più selvaggia e genuina. I concerti dei Led Zeppelin erano pervasi da un'energia feroce, da una fantasia allucinata, da un furore quasi mistico. Erano baccanali assordanti e melodie folk, deliqui blues e sciabolate elettriche: un'orgia sonora dominata dai virtuosismi iper-veloci di Jimmy Page e dal canto stridulo e possente di Robert Plant. Il film "The Song Remains The Same" ne resterà la testimonianza più celebre.

Perigeo

2009-09-12T13:24:00.003+02:00

Formazione nata negli anni Settanta da un'idea del contrabassista Giovanni Tommaso, il Perigeo è una delle realtà più importanti di quella "fusion" italiana che lambisce i territori del jazz-rock e del progressive-rock. Ecco la loro storia, nata su una nave da crociera e sviluppatasi poi tra dischi di successo, tour internazionali e qualche passaggio a vuoto.

Il primo album, Azimut, viene pubblicato nel 1972. Le radici jazz dei cinque musicisti sono già evidenti, anche se il sound si presenta piuttosto acerbo e statico, sia per le armonie, sia per la ritmica. Spesso i brani assumono la forma di vere e proprie esecuzioni di piano, con l'utilizzo di pochi accordi e uno sporadico ricorso a batteria e percussioni (vedi, ad esempio, la title track). Alcuni imponenti assoli di chitarra connotano "36 parallelo", mentre "Grandangolo" è un connubio tra rock classico e jazz-prog.

Abbiamo tutti un blues da piangere, uscito l'anno seguente, si rivela di gran lunga superiore, sia per i virtuosismi dei singoli musicisti, sia per la maggior complessità ed espressività dei pezzi. E' questo disco che segna l'origine del jazz-rock e del jazz-prog, ossia la prima vera materializzazione delle tecniche moderne apportate da Tommaso. Apre il sipario la mediterranea "Non c'è tempo da perdere" che, dopo un'intro strumentale di piano, si sviluppa in una parte cantata in cinque quarti su cui si insinua un assolo di chitarra. Alcuni pezzi presentano un'atmosfera più mesta. Tra essi, la title track, introdotta da un pacato arpeggio di chitarra e pochi accordi, e "Nadir", che si regge su un'atmosfera quasi rassegnata, ma enfatica, con il sax che esegue una dolce melodia. E' ancora il sax di Fasoli a inserirsi brillantemente sulle parti di chitarra in "Deja Vù". Ma il pezzo forte del disco è "Vento, pioggia e sole" che, caratterizzato da un vigoroso e moderno jazz, testimonia ampiamente l'abilità dei cinque musicisti: si susseguono, infatti, poderosi solo di chitarra, di sax e di piano elettrico; tre momenti diversi, in cui ciascuno strumento è protagonista e l'unica legge che regna è l'improvvisazione.

New Order

2009-09-09T20:25:00.003+02:00

Manchester: è lì che i New Order sono nati ed hanno operato sin dalla fine degli anni Settanta, quando ancora si chiamavano Joy Division ed erano una delle meteore più luminose della new-wave inglese.
Fino alla morte, tragica, per suicidio, del loro cantante Ian Curtis.

Un’ombra scura che li avrebbe accompagnati lungo tutta la loro esistenza, anche quando - ormai rinominati New Order - avrebberoo lasciato le durezze degli esordi per i nuovi territori dell’elettronica quasi-dance. “Blue Monday” (del 1983) rialza la posta contaminando - come mai nessuno osò prima - il post-punk con la italo-disco in voga all’epoca, e risulterà il singolo di un’etichetta indipendente più venduto nella storia della discografia.

Da allora, tra alti (la stupenda “True Faith”) e bassi (un discutibile inno per la squadra inglese in occasione dei Mondiali di calcio italiani del 1990), la loro carrierà procederà ininterrotta - e sempre avvolta da un alone di mistero - fino al (pare) definitivo scioglimento annunciato nella primavera del 2007.

Joy Division - Il nichilismo post punk

2009-09-04T21:40:00.002+02:00

L'altra faccia della medaglia in questa crescita esponenziale della fama dei Joy Division è data dalla crescente instabilità di Ian Curtis: un carattere capace di sbalzi estremi dall'allegria alla depressione totale, un atteggiamento arrivista e pronto a tutto per raggiungere il successo, come se già sapesse di avere un posto riservato nell' Olimpo del Rock, l'epilessia da poco cominciata che lo tormentava continuamente, e un impeto distruttivo sul palco, dove inscenava ad ogni concerto quella che agli occhi del pubblico e dei suoi compagni sembrava una recita macabra e gotica, ma che in realtà era semplicemente un modo di mostrare agli altri il proprio dramma e la propria sofferenza.

Dieci brani da brivido, il malessere dell'uomo e il nichilismo fatti musica; gelidi sin dalla copertina, un elettrocardiogramma bianco su sfondo nero e nulla più, gelidi ancor di più nelle note, basti pensare a pezzi come Disorder e Day of the Lords, con quel basso sordo e compatto, o ancora al senso di anestesia che ispirano Candidate o New Dawn Fades, e anche quando il ritmo si fa più serrato, come in Shadowplay o Wilderness, i brani che più si avvicinano al punk e alle prime composizioni del gruppo, senti comunque che c'è qualcosa di diverso, qualcosa di strano e inesplicabile, come una presenza spiritica in sottofondo.

Sylvian e Fripp

2009-08-31T22:31:00.002+02:00

Ascoltarlo in silenzio ..............

Gong, ovvero i freak per eccellenza

2009-08-04T09:41:00.005+02:00

Il gruppo musicale GONG è stato uno dei più fantasiosi nel panorama rock.
Quasi impossibile catalogarli si può pensare di inserirli fra il rock progressive, psicadelia e jazz rock, con l'inventiva e l'ironia della cultura freak fatta di improvvisazioni e dalla continua allegria delle loro performance.
Nato nel 1967 quando David Allen, hippie australiano trapiantato in europa, aveva già fondato i soft machine. Per cause varie rimase in Francia e, dopo aver conosciuto Gillie Smyth, insieme a Malherbe fondanoro i Gong.
la loro inventiva è, secondo me, paragonabile solamente a Frank Zappa, forse il personaggio rock che più si avvicina a David Allen.

Da un punto di vista prettamente musicale, invece, i Gong sono ancora un calderone impareggiabile di influenze: dalla tarda psichedelia al nascente space-rock, dal jazz-rock alla musica cosmica. Nei brani più arditi e maturi i risultati sono eccezionali: la semplicità del bizzarro tema di "You Can't Kill Me", la loro prima cantilena mantrica; l'esasperante "Dynamite/ I Am Your Animal"; l'ipnotica cavalcata cosmica "Fohat Digs Holes In Space", con il famoso "space whisper" di Gilli Smyth che aggiunge alle composizioni un tocco talvolta etereo, talvolta intenso, talvolta orgasmico; e per finire "Tropical Fish/Selene", uno dei più grandi capolavori della loro carriera, un folle melodramma che nei suoi sette minuti tocca tutti i lati del magnifico diamante Gong.

Durante questa fase della loro carriera, i Gong sono passati da un'estremo all'altro: dall'amatorialità delle prime produzioni alla professionalità quasi certosina di Shamal, dalle tematiche bambinesche degli esordi alla seria maturità di You. Flying Teapot è l'album più equilibrato dell'intera discografia del gruppo, anche sotto il punto di vista umoristico
Con l'ingresso del batterista e percussionista Pierre Moerlen, rinomato a livello internazionale, e del bassista Mike Howlett, si completa la formazione "classica" dei Gong, quella destinata a registrare in pochi mesi gli altri due capitoli della trilogia.

Anteprima del nuovo post..L.&G...THE GONG

2009-08-02T15:15:00.003+02:00

Laurie Anderson

2009-07-27T17:49:00.005+02:00

Laurie Anderson è una delle artiste che ha definito il termine "avanguardia" per la fine del secolo: una posa fredda, distaccata, astratta, raffinatamente volgare, sottesa da una paura irrazionale del presente e da premonizioni inquietanti del futuro, e masochisticamente succube della tecnologia moderna.
Ma Laurie Anderson è l'avanguardia.

Anderson ha coniugato musica elettronica, minimalismo, gestualismo e ha immesso nel vocalismo sperimentale la maniera del music-hall. Saliente come punto di fusione e compromesso, il suo stile di canto ha importanza soprattutto per aver nobilitato il recitato. La sua arte compositiva è comunque soprattutto un fatto di arrangiamenti, di integrazione di eventi (sonori e non) fra loro culturalmente distanti, in un nuovo genere sofisticato e leggero, futurista e pan-etnico, di forma-canzone. Anderson eccelle soprattutto nell'aspetto multimediale.

Le sue canzoni-sketch si svolgono lente, ripetitive e colloquiali, in un'atmosfera dimessa ed irreale fatta di ritmi etnici e di soffici tappeti elettronici, a metà fra l'ipnosi e l'onirismo. Strati di vocalizzi filtrati, più recitati che cantati (secondo la tecnica del Sprechgesang, della canzone-discorso), danno luogo a melodie ben riconoscibili. I testi sono a loro volta ispirati ad una comica filosofia del quotidiano.

Danzando con il cavaliere illuminato dalla luna

2009-07-20T15:49:00.003+02:00

“Mi puoi dire dov’è il mio paese?”
disse l’unifaun alla persona amata.
“E’ con me!” gridò la Queen of Maybe
- per le sue mercanzie, egli barattò il suo amore.

Così inizia l'album Selling England by the pound dei Genesis, uno dei più venduti e definito dai critici l'album della maturazione.
Tipico di Peter Gabriel sono i giochi di parole, dove proprio in questi pezzi trovano maggior espressione, a volte con frasi intraducibili o senza senso.
Nell'inizio che ho messo sopra se ne può vedere già una : Unifaun. E' un insieme di uniform (divisa,uniforme) unicorn (unicorno) e faun ( cerbiatto) e simboleggia la vecchia Inghilterra.
Queen of Maybe è la nuova Inghilterra ( gioco di parole dal Queen of May che rappresentava il buon raccolto mentre qui regina del forse).
L'album è un racconto ironico sull'inghilterra, forse uno dei più politicizzati e ironici dei Genesis.
Forti critiche al consumismo, ai supermarket dove la gente è disorientata da falsi sconti.
bellissima la similitudine fonica fra Grail (il Graal) e i grails che sono punti del supermercato sotto forma di bollini, oppure sull'indovino che legge le carte nei tempi passati e ora le carte di credito per verificarne la fortuna.
Vendere l'inghilterra a sterlina ( così la traduzione di selling england by the the pound) è un album molto complesso nei testi, si consiglia di leggerli già tradotti per assaporarne i giochi di parole, magari con il testo integrale vicino.

sciopero

2009-07-14T09:27:00.003+02:00

Auguri Marilena

2009-07-11T09:18:00.002+02:00

THE CREAM

2009-07-08T21:40:00.000+02:00

Eric Clapton, Jack Bruce, Ginger Baker, ovvero THE CREAM.
I Cream furono uno dei gruppi più innovativi della storia del rock britannico dei tardi anni sessanta.
I Cream rivisitarono il blues, liberandolo da certi vecchi stilemi, lo innovarono, attraverso riff potentissimi di poche note, ma impregnati di una potente carica espressiva tale da sostenere l'intelaiatura di un intero brano anche per diversi minuti; ma la loro forza era anche una base ritmica, robusta e potente ma agile al tempo stesso, capace di esplodere in ampie improvvisazioni all'insegna del feeling, e magari correre il rischio di non terminare mai, se l'ispirazione era quella giusta. A volte i Cream, lavoravano d'insieme, come un solido e armonioso unico corpo; altre volte, invece, usavano spartirsi gli spazi in un intero 33 giri, personalizzando a proprio piacimento un determinato suono, ma riuscendo al contempo a creare un universo di fantasia in cui confluivano gli umori più svariati.

Precursori dell'hard rock Il trio iniziò a sfoggiare la propria esperienza nei club londinesi e successivamente sui grandi palcoscenici dei concerti rock, esibendosi in virtuose jam session, basate soprattutto sull'improvvisazione e vigorosamente amplificate.

Il mio pifferaio magico

2009-07-08T08:01:00.004+02:00

Chet Baker.
Ho avuto il piacere di vederlo ad Alessandria, al teatro Vescovado, avevo 17 anni.
Con poche lire in tasca eravamo venuti a conoscenza che c'era un trombettista jazz di passaggio, dopo un concerto a Milano.
Aveva amici nella mia città e si era fermato a dormire nella loro casa.
Quella sera aveva voglia di suonare, era in palla, dicevano loro.

Il concerto era gratuito, io non lo conoscevo affatto.
Palco vuoto, una sedia, una batteria e un contrabbasso appoggiati ad un amplificatore.
Entra il trio insieme, Chet abbozza un sorriso mentre si scola una birra, era completamente senza denti.
Dico a Flavio e a Spiguz, ma come farà a suonare la tromba se gli mancano i denti? E loro..Boh? E chi cazzo sarà?
Mi volto, un ragazzo più vecchio di me mi dice," ma come non sai chi è?", " è uno dei più grandi jezzisti al mondo".
Ho pensato mi prendesse in giro, ma come se fosse vero verrebbe qui in questo teatro squarcione, gratis,e con 100 persone al massimo.

Saluta tutti, un altro timido sorriso, sguardo triste, ma occhi profondi, come se ci guardasse dentro tuti, io ero in prima fila, sembrava mi guardasse un extraterrestre.

......e il suono che mi arrivò dritto al cervello. Fu il soffio disperato della tromba in My funny Valentine. e la voce sbagliata di Chet Baker, e la sua tecnica di suonare la tromba senza denti, unico al mondo.
Denti rotti da uno spacciatore a New york, perchè non aveva soldi per pagare arretrati di dosi d'eroina.
Ucciso nella stazione di Amsterdam dall'ennesimo spacciatore in credito con lui, è morto il mio pifferaio magico, è morto il jazz.

Alla corte del re dei Cremisi

2009-07-07T08:08:00.009+02:00

La prima volta che ascoltai questo gruppo mi parve di sentirlo dentro di me l'urlo dell'uomo schizzoide.
Era l'anno 1973, l'album era uscito da 4 anni e mi proiettò immediatamente ascoltando questi brani nel 21° secolo.
Rock progressive britannico, una assoluta novita per quegli anni.
La voce distorta di Greg Lake ( confluirà poi negli E.L&P.) apre il primo pezzo dell'opera " 21th Century Schizoid Man".
Un unizio spiazzante, coinvolgente, proiettando fantasie finora inimmaginabili. Rimasi piacevolmente spiazzato.
Come per la maggior parte delle opere rock di allora, si dovevano ascoltare gli L.P. almeno 4 o 5 volte per poterne apprezare tutto il loro valore. Poi, non vedevi l'ora di essere a casa da scuola per riascoltarli.
Si chiude il primo atto e si torna nell'illusione onirica e nella quiete stagnante di "Moonchild". La voce di Lake diventa sempre più flebile fino a lasciare spazio all'agonia dissonante degli strumenti degli altri musicisti, per una pura gemma free-form. Fervono i preparativi, i componenti della band, al seguito di Fripp, stanno per entrare alla corte del Re Cremisi. E' l'ultimo atto: "The Court of the Crimson King". Il suono del mellotron si fa sempre più incalzante e Lake conclude la sua parte seguito dai compagni che ribattono con un tono corale ossessivo e lancinante.
Si chiude così il primo capitolo dei King Crimson.
Le formazioni cambieranno numerose volte nell'arco di trent'anni gravitando attorno alla sagoma imperiosa di Fripp, che cambierà marcia passando dal progressive più genuino dei primi tempi a successive elucubrazioni a volte apprezzabili, a volte forse un po' troppo pretenziose.
I tempi cambiano e, ascoltando gli ultimi lavori del gruppo, risulta ormai difficile sentire l'urlo dell'Uomo Schizoide del Ventunesimo Secolo, ma resta pur sempre il suo sguardo allucinato che custodisce i suoni di un'opera che resta tuttora unica nel suo genere.

Ehi You - The Wall

2009-07-04T14:02:00.004+02:00

La seconda parte di The Wall erompe in presa diretta dal baratro della follia.
Il brano, lapidariamente intitolato Hey Tu, è imperniato sulla lenta e dolorosa risalita dal fondo appena toccato (Good bye cruel world), una risalita resa possibile dall'aiuto di ancora sta fuori dal "muro" e cammina sul cornicione dello stesso.
Il testo è brillantemente didascalico e dissennato al punto giusto:

Hey tu,
la fuori nella strada,
che fai sempre quello che ti viene detto,
puoi aiutarmi?

Hey tu,
la fuori dietro il muro
che rompi bottiglie nel vicolo,
puoi aiutarmi?

Con Hey You, Waters sembra voler identificare negli altri esseri umani, nel loro aiuto, nella solidarietà collettiva il solo possibile tramite per liberarsi dell'oppressione del muro, per uscire dal baratro che il muro delimita. La sua è una invocazione disperata, un appello alla reazione collettiva, nella speranza, alla fine, di riuscire:

Hey tu,
non dirmi che non c’è più alcuna speranza,
insieme resisteremo, divisi cadremo.

In due interviste a poca distanza l'una dall'altra, R. Waters e D.Gilmour ammettono le loro idee politiche di sinistra. Sempre schivi a parlarne i Pink hanno lasciato che siano i testi a parlare per loro. Ma l'intervista rilasciata era sulla Tacher e non hanno potuto fare a meno che dire tutto il loro disprezzo per una politica di quel genere.

Il lato oscuro dei Pink

2009-07-02T20:02:00.006+02:00

Quando il gruppo si riunisce in uno studio di West Hampstead nel Gennaio 1973 le idee erano poche e l'unica canzone già pronta è Us And them scartata da Zabriskie Point. Secondo i ricordi di Gilmour " ci ritrovavamo in una sala prove, e Roger se ne uscì con l'idea di parlare di tutto quanto può portare la gente alla pazzia".
Roger Water a proposito dice: " Un tema che corre per tutta l'opera, la vita esemplificata dal battito del cuore, e così via fino alle pressioni anti-vitali".
Con sole e luna a simboleggiare la vita e la morte, il buio e la luce, Waters elenca i modi e i tempi di questa pazzia, quella che in Time definisce " una quieta disperazione, al modo inglese".
E' un Waters già amaro e sarcastico e il gruppo lo segue bene, ma senza gli eccessi delle produzioni successive . La musicalità è morbida, sintetizzatori discreti e slide di chitarra ampi, o di sognante chitarra solista.
Sul finire dell'opera, in panorami sempre più sconsolati. sfocia la follia di un Lunatic che ricorda da vicino il sempre incombente Syd Barrett.
C'è spazio anche per un qualcosa di inconsueto Money, forse il primo pezzo di successo su ritmo 7/4, dove l'inizio dei registratori di cassa è stato registrato più volte, alla ricerca di una perfezione quasi maniacale.
La fortuna commerciale di THE DARK SIDE OF THE MOON è quasi subitanea. Disse Roger Waters: "ci ha dato un mucchio di soldi questo album, ma noi non lo sentivamo diverso dagli altri, abbiamo soltanto raccontato il nostro punto di vista...come sempre del resto. Ma ha anche mutato, per sempre, la personalità dei Pink Floyd."